In his groundbreaking radio documentary, The Idea of North, eminent Canadian musician Glenn Gould revealed that “... the North has remained for me, a convenient place to dream about, spin tall tales about, and, in the end, avoid.” (1) His confession has resonance with the sort of exoticization of distant territories we might all share at some level. A remote place that we have never actually experienced can easily take on the mantle of myth. The longer we imagine it and refrain from actually visiting it, the more we become enamoured of our own vision of what it is, and lose sight of what it really might be.

Gould’s tactic of maintaining an illusion about a place by thinking about it, but not visiting it, is probably the only way to keep such a myth intact in today’s hyper-explored globe. Today there are no maps with “Here Be Dragons” marking unknown lands. The search for the Northwest Passage is long over. Magellan circumnavigated the globe long ago, in the 1500s. A cynic might ask: in a time when everything has been explored, and distance is collapsed by information technology, what have we left to discover?

There is, of course, much more to discover, since a given pool of knowledge about a place may be wide, but not necessarily deep; or deep, but not necessarily analyzed and shared adequately. In addition, some of the earth’s most forbidding surfaces are not easily “plugged in” to the grid of information technologies that permit the sort of armchair tourism today’s internet surfers can indulge in. The challenges of today’s exploration projects, then, are to collect meaningful data in-situ, analyze and share it with the rest of the world, and enable a legacy of sharing and interdisciplinary collaboration that is integrated into the local community.

These new challenges are precisely the ones that are at the core of the Makrolab project, managed by Projekt Atol and led by Slovene artist Marko Peljhan. The Makrolab team explores territories deeply, gathering and interpreting complex data about a place. Makrolab, which premiered at Documenta X in 1997, is a flexible framework that contains several research strata and has gone through numerous iterations. It takes many physical forms, but mostly manifests as high-tech laboratory outposts that are rapidly deployable and have zero environmental impact. I was fortunate enough to take part in TCM Progress – Sourcing the Inputs/Mapping the Outputs, the Makrolab installation on Suomenlinna Island in Finland. We workshopped ideas, mapped paths over the island, monitored conditions, and ate communal meals, all while the radar tower spun quietly in the background and the new RDU (Rapid Deployment Unit) was tested.

2007 – 2008 is the International Polar Year, forming the penultimate stage in Makrolab’s project trajectory. Makrolab’s last mission takes it to the two polar regions, with installations in Antarctica and Nunavut. In the tradition established by previous Makrolab projects, artists, scientists, engineers, and others will gather to collaboratively produce work that will analyze patterns of migration, weather, climate, and communications. However, this iteration of Makrolab during the International Polar Year adds yet another layer. This mission involves a conceptual and practical linkage of both polar regions, manifesting as a truly global project in scope. In this transnational spirit, Makrolab will be managed by I-TASC, the Interpolar Transnational Ars Science Constellation.

This is not the crude type of exploration of yore, when visitors did not seek to dialogue with or understand their host land and its people. The preparations that the Makrolab team undertakes begin long in advance, seeking understanding of the local environment and culture well before entering the territory. To prepare for the upcoming mission in the International Polar Year, and the subsequent operations under Inuit leadership from 2008 onward, Makrolab’s team produced POLAR_TANGENT, a streaming media, local presentation and workshop event that took place in Igloolik, Nunavut in April 2006. As Stephen Kovats, Program Curator at V2_ and one of the project participants, explains: “One of the project’s primary goals is to establish new arts practices in the zone connecting technology, society, and nature, and to do this at places where technology is challenged by earth’s inherent geo-physical structure.” (2) So though Makrolab has a progressive “leave no trace” policy environmentally, Makrolab will certainly leave many positive “traces” in a cultural and social sense with this Nunavut installation during the International Polar Year and beyond.

These cultural traces might be one of the most telling things about the project. Makrolab is, in many ways, a tactical media device that is ultra-mobile. It is able to transport and support small crews as they investigate the physical properties, cultural realities, and technological topologies of a given space. These missions are seldom long, because the project’s nomadic nature demands that it moves on to the next place to catalyze new activity there. As long as the cultural traces are left behind, however, the legacy of the project can continue and the integrity of the project is preserved.

Much of this groundwork has been laid with the POLAR_TANGENT event which featured presentations and discussions by many residents of Igloolik, including elders like Pauloisie Qulitalik and Isuma Productions president, hunter and fimmaker Zacharias Kunuk, Mary Kunuk of the women’s Arnait Video Productions collective, actor and musician Susan Avingaq, sound artist and producer Jayson Kunuk, and producer at Isuma Productions Katarina Soukup, among many others. When Makrolab Mark VII touches down for its “permanent” visit in 2007, the relationships between local practitioners and the Makrolab team will be well developed, and so the discussion about outcomes and long-term impacts of Makrolab’s research will already be at a high level.

Travelling from place to place, and establishing connections between pockets of data across long distances, Makrolab fashions a global dialogue about place that is based on data it gathered itself. It seeds developers of the project in the places that it temporarily inhabits, who carry on the work it begins. One prominent example is the Makrolab installation on the island of Campalto in the Venice Lagoon during the Venice Biennial of 2003. Makrolab’s activities during its time on Campalto was said to have triggered a “minor revolution in the outlook on the actual ecological situation of the northern Venice lagoon”(3). Makrolab’s legacies also must, of necessity, evolve over time, which further accentuates the importance of local actors who will continue the conversations that started in Makrolab’s context. For though geographical realities remain mostly static (as Donald Trump famously said, “God isn’t making any more real estate” (4)) the patterns of social development, meteorological change, and infrastructure upgrades continue to feed the analysis of the progress of geographic territories we call home.

If new methods of exploration are to ignite local change and stimulate transnational exchange, then exploration has truly evolved. As Makrolab charts new territory in research strands that are rooted in geographic reality but that also fly out radically from that point, we might wonder wistfully what tales Gould might have shared if he were invited to take part in Makrolab’s Nunavut mission, since it will surely take the idea of north to whole new levels of creative analysis.

Notes

1. Glenn Gould, The Idea of North, Radio Documentary, CBC, 1967.
2. Personal communication
3. Mobitel report
4. Unknown. Attributed to Trump, but possibly Yogi Berra? Ivana Trump? Henry Kissinger?

Biography

Michelle Kasprzak is a curator, writer, and artist. Since winning the InterAccess Emerging Electronic Artist award in her early career, Michelle has proceeded to present her work across North America and Europe. As a writer, Michelle has been published in magazines such as Mute, Spacing, Broken Pencil, and Public, and recently contributed an essay to the book Hothaus Papers: Perspectives and Paradigms in Media Arts. Her recent curatorial projects include an online exhibition for Gallery TPW/Virtual Museums of Canada, and In-Site Montreal, an exhibition of site-specific artworks on wireless internet portal pages. She is currently based in Edinburgh, UK, and is the Programmes Director of New Media Scotland.

http://michelle.kasprzak.ca

POLAR_TANGENT video link (interview with Zach Kunuk)

Sophie: What have you been doing so far at this conference?

Ladyada : We did two talks. One was with senior editor of MAKE magazine, Phillip Torrone. We talked about how people for the past couple of decades have not been hacking electronics or devices as much, and how the commoditisation of electronics, gadgets and computers actually makes it easier for us, not harder, to go in and modify these devices, and hack and improve them because they’re so cheap and there is so much information available.

Like MAKE magazine and me, for instance. In a way, we’re sort of separate… They’re more about taking small devices and hacking them, whereas I start from the very beginning and building them from scratch. But it’s very similar… It’s about taking electronics that are out there and getting involved and not having this black box – this VCR, TV, or mini-disc – going inside and actually learning about it.

S: So what was your first hacking intervention?

L: The cell phone jammer was the first really big one. As a kid, I really didn’t know what I was doing. I probably did something really bad! I did the cell phone jammer talk today: we talked about how to build them. Mitch Altman, the inventor of TV-B-Gone, is about turning off TV’s. I’m about turning off cell phones. So we talked about the social implications of giving people power over their environment.

S: Do you see a direct link between the freedom of people to move and the social defence technology that you are developing?

L: Well, I definitely think that one of the really important things about mobility is that you no longer have a home that’s a “home” – your home travels with you. It ties into the personal space stuff I was talking about: when your home is six feet around you, you can’t get peace – as opposed to when you’re travelling around a lot in alien cities. I think the cell phone problem isn’t a big deal in places where people aren’t mobile. For example, NYC is really bad because everyone is really mobile and so they feel like they’re entitled to do whatever they want, carrying their office with them. And then there’s people that say “look, I don’t want to carry my office with me, I just want some peace and quiet.” So it does relate, it’s a small sliver… You see artworks that talk about personal space, inflatable houses, carriages that are homes; it’s also about safety and security. But this is about radio frequency security; visual security, not physical security. Small sliver, but related.

S: Is this your first HOPE conference?

L: No, I’ve been going for a couple of years. I think this is probably my fifth one. I started going at the second one. But this year was the first time I presented.

S: How do you find it this year?

L: Good. Presenting is different… When you present, you don’t party as much! I had this presentation at 10 am this morning. But it’s good. One good thing about presenting is that you feel you are adding to the body of knowledge, which is quite important. People come to me and tell me “wow, I know a lot of stuff about this, but I never actually thought of telling people about it.” I don’t know that much about building cell phone jammers actually, I just stumbled around and figured it out, but friends of mine tell me all the technical details that I haven’t thought of. This is awesome. This doesn’t happen when you’re only going as a participant; you don’t get as much information, you don’t connect with people as well.

S: Do you have any thoughts on the relationship between gender and hacking from participating to the conference? Why do you think there is a minority of women?

L: Well, it’s interesting because if you look at hacking, it comes from computer science. And if you look at the first computer scientists, they were all women. I’m not convinced there’re actual physical reasons why there are fewer women in computing. It’s not a capability thing. It’s harsh – I’ve been into three fights already. Not fights, but this guy comes up to me and says “you’re wrong, you don’t know what you’re doing, blablabla” and so I said “ok, I need to get into a fight with you now”... It’s not hard. It’s like a pain in the ass. It’s one of the stresses of coming to a conference – while people are being very supportive, there is constantly this push and shove. And I know a lot of women who find it’s too much for them: “I can’t do a PhD, I can’t do this for another four years, it’s just too stressful.” But it’s also good because it forces you to be so good. For instance, I could have presented this stuff two years ago but didn’t. I had to have it so together that there’s an armour saying “you can’t get to me because I just know more than you so don’t even step.” Which is unfortunate, and it also means that you get defensive and angry. And it’s sad because it doesn’t have to be that way.

But I don’t think it really matters whether there are more women or fewer women hacking. It’s just more important that people do it. I don’t approach things in a feminist way. I don’t approach it in a way where I have to get more women to hack. I definitely support women doing electronics, but I’m more involved in just gender neutrality. I just want to open it. All my projects are gender-neutral. People ask me how that is possible. You can, it’s so easy. There are ways to approach it. I see websites where they make really sexist jokes; you don’t have to do that. It’s depressing… So I try to approach it from a neutral point of view: it’s not male, it’s not female. I’m female, but guys can do this and women can do this – it’s open to all.

But it’s kind of bad. Even on the analogue music list… Do I have to hear another story about your girlfriend? It’s girlfriend, wife, girlfriend, wife… “Oh my girlfriend is really awesome, she doesn’t mind that I spend all my money on synthesizers, what’s sexier?” It’s so stupid. It’s like the hacker porn thing (being sold at the vendor space), it’s just dumb. If he did a good job, I wouldn’t mind, but it’s just stupid.

S: But have you found some kind of improvement or change as you have attended the conference throughout the years?

L: Err, no. It’s been the same. It’s the same all the time. But I think what’s interesting is that as people get older, they change. The good thing about something like suffrage is everyone knows women so I think there will definitely be improvement with women standing up in almost anything – way before we solve the problem of racism or homophobia. I’m just sure about it because hackers can be assholes when they’re young, but then they grow up and get girlfriends or wives (assuming they’re straight). Then they realise women don’t suck…

S: OK, let’s talk about Eyebeam (2). You are a researcher there, is that correct?

L: Yeah, Eyebeam is a local media arts gallery and it’s really neat. Basically, they got some funding from arts organisations but also from the MacArthur Foundation (3). There are four technologists/artists and we all work on different projects. It’s like artist-in-residencies so we get a stipend and a work space, we come in four days/week and we work on projects. I work on kits and I’m trying to do more pedagogical stuff. There is also the Graffiti Research Lab that do some work here. The whole point is to release all your work. Again, once you start releasing work, other people realise they want to release their work too, not realising before how easy and so fulfilling it is. With the internet, it’s so easy now; if you can blog, why not give away information too? And there are websites that support that. I think Eyebeam is definitely a good program; it’s already there.

S: Is that why you decided to apply as a fellow there? What attracted you to Eyebeam?

L: Yeah, I was already doing this stuff and so I could just go there and it will be good environment. And I’ll be able to be focussed because it takes a long time to do electronic projects. For instance, Mitch Altman at his talk said it took him a year solid to do TV-B-Gone, and at least three years to get around it… So it takes a lot of time! All my projects take several months even if they look very simple.

S: So the basic support you get there is your stipend and…

L: And equipment, a desk… John Johnson, the founder of Eyebeam, got me a spectrum analyser without hesitating – something I could not afford myself and without which I could not complete the cell phone jammer.

S: Do you have any thoughts about attitudes toward gender at Eyebeam?

L: I think it’s fine. There are a lot of people. The Graffiti Research Lab is kind of a boys group, but because graffiti is very male dominated. But so is electronics, but again, I approach things from a gender-neutral way. It doesn’t matter to me whether a girl or a boy comes to ask me a question. People come during office hours and it’s very open, it’s free for all. I don’t really believe in having women-only workshops because it doesn’t help. But I did a workshop where a quarter of the participants were women. It’s all welcome and it’s not hard to do. For instance, a girl came to me yesterday to buy an electronic kit for her boyfriend, and I said “why don’t we just build it here?” and she said “but I don’t know how” and I told her to sit down and showed her. It’s so easy…

S: That’s a good point… For example, I work at Studio XX, and it says clearly “feminist media arts centre”...

L: But feminism doesn’t have to mean just women. I think that’s the great thing about third wave feminism. Guys, girls, transsexuals, bisexuals, asexuals – whatever gender or sexuality you ascribe to, it’s open to everyone. And I think that’s better. It’s good to see guys and girls working together because guys have to see what women do too, which is not possible at an all-women workshop. For instance, these guys were able to see this woman solder amazingly and couldn’t believe it.

S: Yeah. I mean it’s a constant struggle I think at Studio XX where you have to balance the creation of a “safe space” for women and the other aspect that you talked about, which is the exchange and the more organic and political aspects. So do you see it is still relevant being pro-active with regards to the place of women in technology?

L: I think a lot of it is having more female instructors, which helps a lot. I’m not a good teacher, but I try to teach because, again, subverting the paradigm. Both guys and women, if they see a woman teaching, it’s non-threatening. Whereas with guys, I mean I love them, but it’s like they can’t help it. They’ve been socialised to say “oh, you can’t do it, so I’ll just do it for you.” I think women understand better, again, gender neutrality… Treat people the same. You don’t have to be obvious about it. Every person can improve on it. For instance, MAKE magazine are selling my kits, and they had a picture for Father’s Day: this guy teaching his son how to solder. And I told them they needed a picture of a guy teaching his daughter how to solder so I emailed my customers because I knew at least one of them had taught their female child how to solder. And I got this super cute picture with this blond girl: she’s soldering iron, with a multi-meter, and learning how to build an FM radio. It’s sweet. And they put it up there, and that wasn’t hard, but it helps. Even then, just put both. That’s my secret…

S: Any future projects on your schedule apart from teaching?

L: I want to finish the cell phone jammer project. I also need to finish a big Burning Man project. I’m also working on pedagogical systems. I want to see if I can do a web-based class. It’s really cheap: the parts cost 10 bucks. I’m into building stuff that can be useful once built… I went to a lot of educational electronics classes and built things that are really dumb; like flashing a light! So I’m into building something that you can attach to your bike wheel, for instance, and it says something, and it’s cool. Guys, women, kids, everyone loves it.

S: Are you going to go to the next HOPE conference?

L: Maybe. We’ll see if there is another one. They always say they don’t know… I’ll probably speak again if I do. It’s another two years from now so…

Biography

Limor Fried (Ladyada) is a recent graduate of the MIT Media Lab where she earned a Masters of Engineering in Computer Science and Electrical Engineering. For her thesis, Limor developed and built subversive electronic devices, including a pair of glasses that darken whenever television is in view and a jamming device that disables other people’s annoying cell phone conversations at the press of a button. She releases much of her work in the form of DIY kits or instruction sets, including persistence of vision displays for bikes, a home brew synthesizer and a game Grrl portable Nintendo.

http://www.ladyada.net
http://www.eyebeam.org
http://www.macfound.org
http://graffitiresearchlab.com

_Résumé: Sous-tendant le site de Matricules fut le concept du tissage jacquard. Avec la co-référence à la programmation et au textile, il représente l’union physique et conceptuelle la plus appropriée. Le tissage, tout comme la programmation, est une activité sérielle qui se prête à une compréhension du temps, mais avec la possibilité d’inclure de nouveaux filons afin d’étendre la réceptivité au tout. Dans le cas d’un vrai tissage, cela pourrait changer la couleur ou la forme du tissu. C’est ce qui se passera avec l’image du Studio XX alors que les participant(e)s et observateur-rices ajouteront leurs fils sous formes de commentaires, d’oeuvres et de code. Ainsi, le portrait statistique voulu d’une base de données devient une surface mutable et dimensionnelle. De cette manière, l’abstraction apparaît encore une fois plus réelle qu’une empreinte indexicale idéale. Le fait que le lexique des textiles et le langage de la programmation partagent autant n’est pas un fruit du hasard. Ainsi s’avance le moteur de différence!

_Abstract: The guiding concept behind the Matricules website was jacquard weaving. With a joint reference to computation and textile traditions, it seemed a fitting physical and conceptual union. Weaving like computation is a serial activity that lends itself to an understanding of time, but one that also allows for inclusion of new threads to expand ones reception of the whole. In an actual weaving, this could change the perceived colour or shape of the cloth. This is what will happen with the image of Studio XX as participants and observers alike add their threads in the form of comments, works and code. Thus, the statistical portrait that a database is intended to be becomes a mutable and dimensional surface. In this way abstraction again seems more real than an ideal indexical mark. That so much of the lexicon of textiles is shared as the language of computation is not accidental. Onward goes the difference engine!

Traditionally, written history and its material siblings – museums, collections and the archive – are part of a controlled narrative used to symbolically construct and demonstrate simultaneously an ethos of a dominant culture and its systems of belief.

Controlling one’s own narrative has been critical to the development of subjectivity.

Subjectivity and its reception/dissemination have been at the core of feminist practices. The notion of the feminine subject as multiple, fluid, or crystalline – not a girded whole – has aided in our more complex understanding of being, yet has created a diaphanous and unfixed subject at times unreadable within existing cultural canons. This feminist’s desire is not to join these canons or expand them to fit, but to create new tools for dismantling lived temporal experience for display so it can be recreated again in the minds of a contemporary subject as the supporting architecture that memory is to the self. In so doing, we demonstrate the lack in existing canons, but even more so, of their want in states of legibility. It is in the interpretive acts of reading and re-telling that events of the past gain currency in the impossible now, and thus into the future.

We must place the tools of the narrative in the hands of the ideal storytellers, the participants, and acknowledge all storytellers as participants. The oral tradition even when rendered digitally will shift with each re-telling.

Thus in a feminist archive, itself a repository for the residue and ephemera of actual lived experience, it is the virtual user that must be present in the selection of fields of data and the valuation of objects as information. The virtual user is both that person-we-have-not-yet-met, as well as the original user of that cultural moment, (again an identifiable presence with a fragmented self). Marxist dictums come to mind “who benefits and who pays?” Or in this case, combining both the past tense. i.e. “who paid?”, and the present, “who is paying now?” We must not privilege the perceived authors of an experience over the audience members, the funders, or the sites of presentation. Each one of these participants, in the making-of-meaning that is culture, may provide a new narrative when histories are re-assembled by the virtual user after, (and during) the fact.

“A record if it is to be useful to science, must be continuously extended, it must be stored, and above all it must be consulted” (1)

In his germinal text, “As We May Think”, Vannevar Bush pointed out the simple truth that information itself is of no use in stasis (that is, without a user). By locking our pasts away we do not keep them from changing but instead allow the change to be a decay of their effect – an absence. It is their effect that we wish to reiterate in the creation of an archive and retrieval system, not to replay a moment again and again in a panicked reassertion of the now or to reflect back at us a self undefined, but to reiterate the effect and affect of that moment. To assert again the possibility of placing oneself in the picture, of learning and discovery, of letting each other know we can and will do.

To do, verb not noun: archive, verb and noun. So then, we are making history (we are telling stories).

Science and technology: binary codes: tertiary spaces

Access to information technology for women has done for them what technology does: increases one’s control of one’s material environment. That access was ever limited seems impossible, that it is still limited by economic and social structure seems even more impossible. By increasing our access to this information we increase our control over the very environment that has limited our access. By offering our archives up for interaction in the creation of a relational database, we increase access. This opportunity for détournement must be seized. The tools we use to construct this interactive space and their definitions are equally important. Instead of merely joining the social current of promoting the spectacle of destabilizing and neurosis inducing new technologies, their corporate economic demands and an overloading arena of information culture, we must acknowledge that information technology includes tools as disparate as the ability to read and write alongside the digital arena. Our database must allow all users space to read and write, a symbolic act perhaps, and a metaphor already employed within computer language, but the computer is of course a symbolic system from its very inception. Within it, pulses of electricity are interpreted into zeroes and ones, which are in turn representative of words and images and sounds. (2)

Transformation and equivalencies are the key notions here.

This is not that, but is equal to it. (3)
( X > Y ) ( X < Y ) X = Y

It requires an action for the code to become meaning -the binary system gives way to a tertiary space when the user enters the space. By making the space open source, interactive and read-writable, we assist in future proofing it as the future is always now. If the database is perpetually being built by its users, we will upgrade in an ongoing fashion, not by a total re-write of the site or the forced economics of purchasing new proprietary softwares (4), acts which are themselves a form of editorial and have caused the removal or silencing of those that are unable to participate due to discrepancies of information or financial wherewithal, states that are seemingly interlinked. The database construction, coding, and constant becoming can serve as integral to the practical component of the Studio XX project as a site for training in open source, web based production, audio recording, digitization of all forms. This is future proofing of a social sort as well.

Database aesthetics

Equally important, information is transformed into a visual language. What has been termed the decorative, and the increased ease of spatial use that it allows, has traditionally been the domain of the feminine within architectural sites. Attraction and desire are components of function and we shall assert this here. We know that the visual presentation of an interface affects the user of that interface and we shall consciously engage in its visual construction with this position in mind. The pretence of the rational over-riding the experiential is itself an aesthetic decison. Aesthetics are part of symbolic culture, of computation, and understanding.

The return (not the refrain): controlling one’s narrative

We realize the narrative subject of Studio XX is not one but many and our narratives are constructed daily. Thus the subject is iterated in repetition though the statements and paths may never be the same. The database will allow this travel within the ephemera and digital residue of activities as map-able points in many temporal trajectories intermixing with the recorded stories and input of users.

Are these actions – the creation of an archive and database – part of the cult of the memory obsessed, or seeking a narrative fully controlled? No, our story is polyphonic and must be allowed its amplification. To do so allows it not to become a mausoleum within which to watch the decay but an active site for persistent resistance and becoming.

“The past is a place I am a visitor there” (5)
“Nostalgia is the longing for an impossible place” ... (6)

Impossible or virtual?
Each in their affect will conjure the slippery now. The site is a luminous tapestry of impossibility. Impossible in that we can never fully re-tell the story of an entity, be it human or institution. Nor can we delineate the edges of a subject, for neither it or we can stop moving.

To both give site to experience and allowing the site to be experience is the ultimate potential of the project.

In brief finally

The archive will include a catalogue of existing items and ephemera and the database will feed it. The archive will grow in response to use of the database.

Or, (7) ( X > Y ) ( X < Y ) X = Y

The database will be written in open source code.
It will be real-time writeable in part: wiki style space for input, through augmentation not replacement. As in new users stories about an event will be added, not replace or edit earlier versions of the story to allow a Roshomon style creation of the truth (remember, the real is heavily abstract).

Notes

(1) Bush, Annovar, As We May Think, The Atlantic Monthly, 1945
Footnote. In a call to the men and women of science that had been developers of wartime technologies in a call to working for good and not evil. He describes
(2) An idea discussed in so many places perhaps to be seen as understood I should note here the work of Steven Johnson, Interface Culture: how new technology transforms the way we create and communicate
(3) Q. how is this possible? A. by temporal difference.
By locating the identifiers within parenthesis we locate them in separate temporal spaces. Much as the database places events in multiple temporal spaces, the virtual user of the previously occurring moment and the contemporary virtual user.
Proof actually states, X is less than Y, X is greater than Y to indicate the reciprocity of value while not being actually the same thing.
(4) Programmer budget in the 5 year plan with SSHRC
(5) Sheilds, Rob, Between Views, exhibition catalogue for “Between Views and Points of View”, a series of six projects commissioned by the Walter Phillips Gallery.
(6) Boym. Svetlana, The Future of Nostalgia
(7) Q. how is this possible? A. by temporal difference.

L’approche artistique que j’ai développée dans les arts électroniques est liée intrinsèquement à mes expériences corporelles issues de la danse, mais elle est aussi activement influencée par une recherche et une réflexion ancrées dans le théorique. L’anthropologue Paul Stoller nous parle d’une épistémologie incarnée basée sur la construction d’une expérience des “lower senses” (1) qu’il faut réintroduire dans nos sociétés et qui nous viendraient principalement de cultures non-occidentales. Il parle également d’un processus d’apprentissage à rééquilibrer:

“To accept sensuousness in scholarship is to eject the conceit of control in which mind and body, self and other are considered separate [...] To accept sensuousness is… to lend one’s body to the world and accept its complexities.” (2)

“... and so sensuous scholarship is ultimately a mixing of head and heart. It is an opening of one’s being to the world – a welcoming. Such embodied hospitality is the secret of the great scholars, painters, poets, and filmmakers whose images and words resensualize us.” (3)

Ce texte visera à expliquer un des liens constituant une matrice pressentie autour des principaux axes qui forgent l’essence de mon travail; ce dernier se situe au croisement des arts vivants (de la danse) et des arts médiatiques. Je voudrais expliquer la nature rituelle et érotique présente dans toute mon oeuvre et son lien avec mon approche du corps et de la technologie. Ce texte tentera de démontrer la relation entre l’érotisme, une expérience perceptuelle élargie (dilatée, qui est amenée par “l’intelligence du corps”) et la notion d’interconnectivité et de conscience globale.

En matière de danse, lors de mon parcours, j’ai pu répertorier trois principales approches philosophiques qui motivent le discours du corps en danse et le lien qu’il créé avec la technologie.

Le philosophe français de la technique, François Laruelle, sépare ces approches en deux grandes catégories; il présente le corps comme l’essence, la cause, la dernière instance de la technique.

bq. “De quel corps s’agit-il ? Celui qui est défini par le vécu d’une identité indivise ou d’une immanence radicale: ni sujet aliénant, ni objet aliéné dans l’instrument. Ce corps immanent et indivis, impartageable ne peut donc pas subir la récurrence du circuit technologique… D’où le corps immanent est bien un “renvoi” ou une “transcendance” (mais indivise), voilà la différence. C’est donc une pulsion que l’on dira non-positionnelle de soi. Le corps agit sur le monde sans sortir de soi, sans mimer le type d’efficace du monde lui-mème, sans s’identifier à lui comme le supposent toutes les philosophies de la technique. Ce type de causalité signifie que la cause reste en elle-mème, ne s’aliène pas dans l’objet “sur” lequel elle agit ou dans l’instrument dont elle use.” (4)

De cette proposition, je puis distinguer deux tendances :
1. la relation positionnelle de soi via la technique que me semblent proposer des philosophes tel que Descartes (dualisme);
2. la relation non positionnelle de soi via la technique que me semblent proposer des philosophes tel que Fritjof Capra.

Beaucoup de danseurs et performeurs du corps prennent position dans la première catégorie en se ralliant à deux approches différentes :

1. celle issue du dualisme ou le corps est compris et proposé comme une des composantes de la machine tel le danseur Yacov Shariv (image 1 performance Yacov) et l’artiste catalan Marcel Antunes Li (image 2 performance Marcel Antunes Li) venant de la performance théàtrale avec son travail Epizoo ou encore Stellarc (image 3 performance stellarc), un artiste australien de la performance ;
2. celle inspirée d’un système de nodes et de rhizomes (théories développées par Deleuze) et interprété par des chorégraphes telle que Carol Brown. (Image 4 performance Carol Brown)

Mon approche puise ses sources dans la deuxième catégorie ou je retrouve un écho à ma formation et mon expérience de danseuse.

La perception du monde inscrite dans mon processus relève de la pensée orientale qui présente le monde intérieur et le monde extérieur comme deux aspects de la mème étoffe – et qui remettent en question la notion mème de surface, de frontière corporelle – dans laquelle les fils de toutes les énergies et de tous les phénomènes, de toutes les formes de conscience et de leurs objets, sont tissés en une trame continue de relations infinies et mutuellement conditionnées. Cette prise de position remet en cause plusieurs choses et engage une redéfinition de la notion de limite, de temps et de réalité. L’expérience du corps enrichie par des entraìnements de diverses cultures nous amène à une expérience de l’intériorité qui conduit à des états de conscience élargie. Plusieurs artistes ont eu cette expérience et l’ont exprimé par des sculptures. (Image 5 de la scupture de Dallas et image 6 de l’Afrique)

Capra amène l’idée que les concepts de la physique moderne offrent souvent des parallèles surprenants avec les idées exprimées dans les philosophies religieuses de l’Orient. Ces idées sont apparues dans les années 60 et 70 alors que les grands physiciens de notre siècle (Oppenheimer, Bohr, Heisenberg) étaient en contact avec la culture orientale durant leurs tournées de conférences aux Indes, en Chine et au Japon. À la relecture de Capra, je me suis demandée si, plutòt qu’ètre à l’aube de cette “nouvelle compréhension”, nous n’étions pas plutòt dans un retour à un savoir ancien oublié. Les théories de Stoller, ainsi que celle de Capra en témoignent. (5 )

La philosophie occidentale étant la philosophie dominante, elle installe un déséquilibre que Stoller dénonce. Pour lui, l’utilisation de la notion d’incarnation amène la critique à la fois de l’eurocentrisme et du phallocentrisme qui prédisposent la pensée savante – comment elle considère le corps principalement comme un texte qui peut ètre lu et analysé. Stoller affirme que cette attitude est en elle-mème Eurocentriste et est particulièrement inappropriée pour les anthropologues, qui souvent travaillent dans des sociétés ou la notion mème de texte, et son interprétation, sont des notions importées, donc étrangères. Dans plusieurs de ces sociétés, non seulement la notion de lecture et d’écriture sont-elles sans importance, mais le mode perceptuel principal est plutòt la vision. Les sens inférieurs sont d’ailleurs ici centraux à l’organisation métaphorique de l’expérience de ces sociétés.

Dans une approche chorégraphique, la notion d’écriture vient de cet enseignement occidental. Mais pour ne pas que cette écriture soit stérile (si l’on n’adopte pas une approche strictement conceptuelle), elle doit se doubler d’une “vie” qui est exprimée par “l’interprétation” (ici citée en dehors de la notion de personnages), soit d’atteindre des “états” ou le corps agit alors comme un “activateur de sens” et un “catalyseur” des divers niveaux d’énergies sollicitées.

Des entraìnements tel que l’apprentissage des “maitris” (enseignements de Bouddhisme tibétain) enseigné par le Naropa Institute en Californie,(6) des entraìnements de méditation et d’art martiaux tel que le T’ai Chi Ch’uan sont toutes des méthodes corporelles qui amènent à un éveil particulier de la conscience, une approche non sensorielle de la réalité. Tous ces entraìnements corporels mènent à vivre un état de conscience élargie.

Le lien avec le religieux, le sacré m’intéresse; et plus particulièrement le point de vue de Georges Bataille. Bataille approche donc le phénomène du religieux en abordant une réflexion sur l’expérience interne de l’ètre et en reconnaissant une valeur à l’objectivité qui est liée à l’expérience personnelle. Bataille apporte la notion de discontinuité de l’ètre dans plusieurs aspects de sa réflexion, soit dans le rituel et dans l’érotisme. Je suggère que la notion de discontinuité de l’ètre, tel qu’il l’aborde, soit plutòt comprise comme un passage entre deux états de conscience, entre deux dimensions différentes. La violence à laquelle il s’est attaché est, selon moi, liée au contexte de meurtre où ont été faits certains de ces rituels. À mon avis, la notion de changement de consciences et d’états, la notion de transformation, est ce qu’il est important de retenir, car c’est de cela que relève le sacré. Voici comment Bataille présente cette notion importante:

bq. “Dans le sacrifice, il n’y a pas seulement mise à nu, il y a mise à mort de la victime (ou de l’objet). La victime meurt, alors les assistants participent d’un élément que révèle sa mort. [...] Cet élément est ce qu’il est possible de nommer avec les historiens des religions: le sacré.� (8)

Bataille tient donc le discours que l’érotisme est un des aspects importants de la vie intérieure de l’ètre et qu’il est étroitement lié au religieux. Il précise sa pensée en ces mots :
bq. “Mon intention est, au contraire, d’envisager dans l’érotisme un aspect de la vie intérieure si l’on veut, de la vie religieuse de l’homme… L’érotisme, je l’ai dit, est à mes yeux le déséquilibre dans lequel l’ètre se met lui-mème en question, consciemment. En un sens, l’ètre se perd objectivement, mais alors le sujet s’identifie avec l’objet qui se perd. S’il le faut, je puis dire, dans l’érotisme: je me perds” (9)

Le sacré, l’érotisme et les états de conscience élargie tissent des liens complexes dans l’intériorité de l’ètre. Plusieurs artistes ont pressenti ces liens entre l’érotisme et les états de conscience altérée qui trouvent une assise philosophique chez Capra. Cette complexité infinie de toute relation dans le vivant a été exprimée par Rubens, Botticelli qui se sont eux-mème inspiré des fresques sensuelles de Pompéi, ou encore par les artistes anonymes des fresques érotiques du temple Khajur�ho en Inde.

(image 7 de Rubens et image 8 de Botticelli)

(image 9 Pompéi et image 10 fresque d’Inde)

Ces enseignements de Bataille ouvrent une porte à ce lien avec l’orgiaque. Voici un témoignage d’une femme participant à une orgie et qui vit l’expérience de fusion, de la perte de limite, de soi, tel qu’on l’évoque dans cet article :

bq. “Orgie, c’est peut-ètre un grand mot: nous n’étions que trois. Mais quelqu’un a dit que l’infini commence par le nombre 3. Je n’exagère pas en disant que ce que j’ai vécu, cette nuit-là, avait la saveur de l’infini [...] Sensation glorieuse de l’absolu plaisir, sans nom, sans attache, qui te largue! J’aime cette giclée d’adrénaline qui creuse les reins quand je bascule dans l’espace sans limites.� (10)

Georges Marbeck, auteur du livre Orgies, parle d’un état ou l’ètre tout entier se fond avec les forces et les formes de l’univers et où l’on rejoint l’éternité de l’infini!

Ces états ultimes que l’on décrit ici et amené par la voie de l’érotisme sont de l’ordre du religieux et non du christianisme. Bataille précise:
bq. “La détermination de l’érotisme est primitivement religieuse [...] l’histoire des religions ne peut supprimer l’expérience intérieure qu’il a ou qu’il eut de la religion (le savant parle du dehors). Car je parle, moi, de la religion du dedans, comme un théologien de la théologie. La religion dont je parle n’est pas comme le christianisme une religion.” (11 et 12)

Il est intéressant de noter que le Christianisme est intimement lié aux fondements philosophiques des cartésiens qui prònent la séparation du corps et de l’esprit et qui voient le corps comme une prison dans laquelle est emprisonné l’esprit. (13)

Dans la démarche et la réflexion qui est la mienne, il me semble donc pertinent de lier le sacré à l’érotique ainsi qu’à mon expérience des nouvelles technologies du point de vue philosophique adoptée. Le fantasme est un élément métaphorique qui m’est apparu important. Il est l’expression du virtuel dans sa composante organique la plus intense et apportera un élément de confusion des réalités qui est pertinent dans ce cadre. Tout un travail d’interprétation sera nécessaire pour atteindre les états altérés que j’évoque et qui feront en grande partie l’essence de l’oeuvre.

Un travail chorégraphique liant le concept d’interconnectivité et d’érotisme est en exploration et prend la forme temporaire “d’étude chorégraphique”.

Extrait vidéo 1 © Isabelle Choinière

Pour approcher les notions d’ouverture de limite, intuitivement les artistes nous ont préparés progressivement à ces changements, aux perspectives de décloisonnement. Déjà, au début du siècle, le cubisme, selon J.L. Weissberg, restitue :

bq. “l’intérieur et l’extérieur, le dessus et le dessous, l’avant et l’arrière et tout le reste en deux dimensions et rejette l’illusion de la perspective en faveur d’une conscience sensorielle instantanée de l’ensemble. Le cubisme et les récits qui déstructurent la durée sont des critiques réactives au continuum temporel, annonçant la contraction de la durée par la vitesse et non pas sa disparition (14) [...] Cette perception de la durée va subir de sérieuses distorsions en occident avec l’avènement des temps technologiques.” (15)

Pour ces raisons, je me suis intéressée au travail de Picasso. Sa dernière période – dite érotique – relevait de beaucoup des thèmes de cet article. Une étude posturale a été conçue principalement sur ces images (images 11 mettre 3 images picasso) . Elles ont été un moteur d’exploration pour ces idées qui relèvent de la fusion et de l’orgiaque.

Extrait vidéo 2 messe électronique
© Isabelle Choinière

Cette réconciliation du sacré, de l’érotique et des théories venant de la physique moderne présentées plus haut, m’a amenée à réfléchir sur certains liens qui peuvent exister entre les corps dits réels et virtuels. Les explorations liées aux notions de sacré et d’érotisme présentes dans certaines approches religieuses et/ou mystiques m’ont conduite à cet endroit où le sacré et l’érotique se rencontrent, où l’extase sexuelle et l’extase mystique sont les mèmes, à cet endroit où le corps devient énergie pure et où les chairs fusionnent dans un état de conscience altérée. L’essai de Roger Caillois, “L’homme et le sacré”, est une source d’inspiration constante et rejoint nombre de thèmes amenés par Bataille. (16)

Dans la représentation judéo-chrétienne du sacré, toute la notion du corps est en tension; le corps est représenté à travers l’histoire comme un corps sans chair (sans ombre, en aplat, etc), sans sexe (les anges, les vierges), un corps qui se bat pour apparaìtre. La notion d’ange est un des premiers concepts du virtuel. Je me suis intéressée à ce concept de tension à travers la notion de fantasme. Le fantasme nous trouble tant au niveau physique que psychologique. Mais le fantasme, c’est aussi la notion du corps dans sa virtualité et en mème temps dans sa réalité physique. L’idée du fantasme – son identité mème – m’intéresse. Je voudrais explorer ce concept de tension via deux choses: la notion d’inversion des réalités et les différentes manifestations du corps virtuel (sous la forme d’image, de lumière ou de son) pour renchérir sur l’intercommunicabilité des réalités.

À titre de conclusion, je dirais que ces expériences d’un autre ordre que les artistes tentent de mettre au monde, à travers des oeuvres, doivent se comprendre en dehors d’une comparaison avec “le réel”. L’expérience doit ètre réfléchie pour ce qu’elle est et non en référence à autre chose ou en comparaison à une dimension du réel qui, de toute façon, nous semble une perception partielle de ce qui peut ètre assimilé. L’on doit penser cette expérience mutante ou altérée pour ce qu’elle est, et non plus comme une perte ayant comme repère la réalité telle qu’on la conçoit rationnellement.

Notes

1. “Songhay peoples of Mali and Niger, whose religious and philosophical practices, smell, taste, and sound contribute profoundly to the construction of their experience, which means that their epistemology is fundamentally embodied.”
Stoller P, 1997 Sensuous Scholarship University of Pennsylvania Press : Philadelphia p. 3

2. Stoller P 1997 Sensuous Scholarship University of Pennsylvania Press : Philadelphia p. xvii

3. Stoller P 1997 Sensuous Scholarship University of Pennsylvania Press : Philadelphia p. xviii

4. Version orginale en français :
Francois Laruelle présente le corps comme l’essence, la cause, la dernière instance de la technique. “De quel corps s’agit-il ? Celui qui est défini par le vécu d’une identité indivise ou d’une immance radicale : ni sujet aliénant, ni objet aliéné dans l’instrument. Ce corps immanent et indivis, impartageable ne peut donc pas subir la récurrence du circuit technologique, il n’est pas à son tour affecté par la causalité technique et n’est pas une “pièce subjective” d’une machine ou d’un système plus vaste. Cependant, la technique n’est pas la description scientifique d’un état de chose inerte, elle est un agir sur le monde dressé dans sa consistance et sa résistance, que la science suspend pour son compte mais précisément pas la technique. D’ou le corps immanent est bien un “renvoi” ou une “transcendance” (mais indivise), voilà la différence. C’est donc une pulsion que l’on dira non-positionnelle (de) soi. Le corps agit sur le monde sans sortir de soi, sans mimer le type d’efficace du monde lui-mème, sans s’identifier à lui comme le supposent toutes les philosophies de la technique. Ce type de causalité signifie que la cause reste en elle-mème, ne s’aliène pas dans l’objet “sur” lequel elle agit : ou dans l’instrument dont elle use.”

Laruelle F 2001 “L’essence de la technique : entretien avec François Laruelle” in Nouvelles technologies, un art sans modèles ?, Art Press/H.S. n.12 : Paris p.127

5. “Les origines de la physique, comme de toute la science occidentale, remontent à la première période de la philosophie grecque, au VIe siècle avant Jésus-Christ, dans une culture ou science, philosophie et religion n’étaient pas séparées. Les sages de l’école de Milet en Ionie n’étaient pas concernés par de telles distinctions. Leur recherche visait à découvrir la nature essentielle de la constitution réelle des choses, qu’ils nommaient Physis. Le terme de physique est un dérivé de ce mot grec et signifie donc, originellement, tentative de voir la nature essentielle de toute chose.”...“Si la conception organique et moniste des milésiens était très proche de celle de l’ancienne philosophie chinoise et indienne, les parallèles avec la pensée orientale sont encore plus marqués dans la philosophie de Héraclite d’Éphèse. Héraclite croyait en un monde perpétuel en changement, d’éternel devenir” ... “Héraclite pensait que tous les changements dans l’univers provenaient de l’interaction dynamique et cyclique de contraires, dont il soulignait l’unité. Cette unité, qui contient et transcende toutes les formes opposées, est nommée par lui logos.”...“La rupture de cette unité commence avec l’école des Éléates, qui admet un principe divin dominant des dieux et des hommes. D’abord identifié à l’unité de l’univers, ce principe fut ultérieurement conçu comme un dieu intelligent et personnel qui transcende et dirige l’univers. Ainsi commença un courant de pensée qui conduisit, en fin de compte, à la séparation de l’esprit et de la matière et au dualisme qui caractérise désormais la philosophie occidentale.”

Capra F 1985 Le tao de la physique Edition Sand : Paris Pp. 20-21

6. On peut retrouver la méthode de ces enseignements dans le livre Shambhala, écrit par Choygam Tranga Rinpocha

7. Capra F 1985 Le tao de la physique Edition Sand : Paris p. 24

8. Bataille développe ces idées lorsqu’il écrit son essai sur l’érotisme pendant la période fortement politisée de l’entre-guerre. Il fait alors partie intégrante du milieu intellectuel européen (et plus spécifiquement français) et est fortement influencé par Sade, qu’il considère comme l’Auteur révolutionnaire. C’est dans ce climat politique que Bataille réfléchit et dénonce le national-socialisme. Il créé alors en 1937 le Collège de Sociologie avec Leiris et Caillois, en vue d’étudier les formes du sacré dans les sociétés.

“Le sacré est justement la continuité de l’ètre révélée à ceux qui fixent leur attention dans un rite solennel, sur la mort, d’un ètre discontinu. Il y a, du fait de la mort violente, rupture de la discontinuité d’un ètre : ce qui subsiste et que, dans le silence qui tombe, éprouvent des esprits anxieux est la continuité de l’ètre, à laquelle est rendue la victime.”... “Mais nous ne pouvions d’ailleurs nous représenter ce qui apparaìt au plus secret de l’ètre des assistants si nous ne pouvions nous référer aux expériences religieuses que nous avons faites personnellement, f�t-ce dans notre enfance.”... “ Tout nous porte à croire qu’essentiellement le sacré des sacrifices primitifs est l’analogue du divin des religions actuelles.

Bataille G 1957 l’Érotisme Éditions de Minuit, Collection 10-18 : France p. 27

9. Bataille G 1957 l’Érotisme Éditions de Minuit, Collection 10-18 : France p. 36

10. Marbeck G 1999 Orgies Éditions Ipso facto Publishers : New-York p. 163

11. Bataille G 1957 l’Érotisme Éditions de Minuit, Collection 10-18 : France p. 36

12. “Il va de soi que le développement de l’érotisme n’est en rien extérieur au domaine de la religion, mais justement le christianisme s’opposant à l’érotisme a condamné la plupart des religions. En un sens, la religion chrétienne est peut-ètre la moins religieuse.”

Bataille G 1957 l’Érotisme Éditions de Minuit, Collection 10-18 : France p. 37

13. “La naissance de la science moderne fut précédée et accompagnée par un développemenet de la pensée philosophique qui conduisit à une formulation extrème du dualisme esprit/matière. Cette formulation apparaìt au XVIIe siècle dans la philosophie de Descartes qui fondait sa conception de la nature sur la dualité radicale de deux réalités distinctes et autonomes : celle de l’esprit (res cogitans) et celle de la matière (es extensa). Le dualisme cartésien autorisait les scientifiques à considérer la matière comme inerte et complètement séaprée d’eux, et à voir le monde matériel comme une multitude d’objets assemblés en une énorme machine. Une telle vue mécaniste du monde était soutenue par Isaac Newton qui constuisit sa mécanique sur ces bases et en fit le fondement de la physique classique. De la seconde partie du XVIIe siècle à la fin du XIXe, le modèle newtonien, mécaniste, de l’univers domina toute la pensée scientifique. Ce modèle s’acoompagnait de la représentation d’un dieu souverain dirigeant le monde d’en haut en lui imposant sa loi divine. Les lois fondamentales de la nature recherchées par les scientifiques étaient dès lors considérées comme les lois de Dieu, invariables et éternelles, auxquelles le monde était assujetti.”... “La Philosophie de Descartes ne joua pas seulement un ròle important dans le développement de la physique classique, elle eut aussi une influence énorme sur la mentalité occidentale jusqu’à nos jours. La fameux adage cartésien cogito ergo sum, “je pense donc je suis”, a conduit l’homme occidental à s’identifier à sa conscience, au lieu de considérer l’ensemble de son organisme. Une conséquence du dualisme cartésien est que la plupart des individus se perçoivent comme des sujets isolés existant “à l’intérieur” de leur corps. “

Capra F 1985 Le tao de la physique Edition Sand : Paris pp. 22-23

14. Weissberg J-L 1988 Paysages Virtuels ; image video, image de synthèse Éditions Dis Voir. Série Prise de vue. Collection dirigée par Danièle Rivière: France Pp. 22

15. Pour Weissberg, “D.G. Laporte montre bien, en décrivant l’espace préperspectivitste de la peinture du Moyen Àge, qu’un point de vue est aussi un point de temps. Nulle vraisemblance visuelle n’organisait la représentation de l’espace; rien n’interdisait que les corps puissent excéder leurs limites, le temps virtuellement installé dans l’intervalle des objets, les distances elles-mèmes, n’étaient pas représentées dans l’espace visuel dessinant l’appréhension du monde. Ne pouvant occuper deux places en mème temps, les corps sont situés temporellement. Appréhender par le regard l’organisation perspectiviste, c’est faire sienne une description temporelle : l’un derrière l’autre, c’est l’un après l’autre. On le sait bien, l’espace perspectiviste image un temps homogène, continu et représente la durée comme un écoulement linéaire et uniforme d’un fluide. Cette persception de la durée va subur de sérieuses distorsions en Occident avec l’avènement des temps technologiques.” Note 18
Weissberg J-L 1988 Paysages Virtuels ; image video, image de synthèse Éditions Dis Voir. Série Prise de vue. Collection dirigée par Danièle Rivière: France Pp. 21

16. “Tel apparaìt le sacré. Il émane du monde obscur du sexe et de la mort, mais il est le principe essentiel de la vie et la source de toute efficacité, force prompte à se décharger et difficilement isolable, toujours égale à elle-mème, dangereuse et indispensable à la fois. Les rites, servent à la capter, à la domestiquer, à l’engager dans les voies bienfaisantes, à neutraliser au besoin son acidité excessives. La religion n’est à ce stade que la régulation de cette électricité toute-puissante et invisible qui commande le respect de l’homme et qui invite en mème temps celui-ci à s’emparer d’elle.”

Caillois R 1950 L’homme et le sacré Édition Gallimard, Collection idées : France p. 197

17. “ La connaissance de l’érotisme, ou de la religion, demande une expérience personnelle, égale et contradictoire, de l’interdit et de la transgression.” Bataille G 1957 l’Érotisme Éditions de Minuit, Collection 10-18 : France p. 40 “La transgression diffère du “retour à la nature” : elle lève l’interdit sans le supprimer.” Idem. p.41 “ Mais nous éprouvons, au moment de la transgression, l’angoisse sans laquelle l’interdit ne serait pas c’est l’expérience du péché. L’expérience mène à la transgression achevée, à la transgression réussie, qui, maintenant l’interdit, le maintient pour en jouir. L’expérience intérieure de l’érotisme demande de celui qui la fit une sensibilité non moins grande à l’angoisse fondant l’interdit, qu’au désir menant de l’enfreindre. C’est la sensibilité religieuse, qui lie toujours étroitement le désir et l’effroi, le plaisir intense et l’angoisse.”
idem.p. 43
“ La transgression organisée forme avec l’interdit un ensemble qui définit la vie sociale.”idem. p.72
“L’interdit et la transgression répondent à ces deux mouvements contradictoires : l’interdit rejette mais la fascination introduit la transgression. L’interdit, le tabou ne s’opposant au divin qu’en un sens, mais le divin est l’aspect fascinant de l’interdit : c’est l’interdit transfiguré.”... “La mythologie compose – parfois elle enchevètre – ces thèmes à partir de ces données.” idem. p.75-76

Listes d’images

Image 1 : Yacov Shariv with his cyber suit at Future Physical, 2002.
Image 2 : Marcel Li Antunez, Epizoo, 2003.
Image 3 : Stellarc, Exoskeleton, 1998.
Image 4 : Carol Brown, The changing room, 2004.
Image 5 : Antony Gormley, Quantum Cloud XX (tornado), 2000
stainless steel bar (233 × 148,9 × 120 cm.)
Image 6 : Unknown author, Nkondi nail dog figure, Kongo. 19th century. Metal, wood, pigments.
Image 7 : Peter Paul Rubens, Venus feast (detail), 1637. Oil on canvas, Vienna Kunsthistorisches Museum.
Image 8 : Sandro Botticelli, Primavera (detail). 1477-78. Tempera on wood, Galleria degli Uffizi, Florence
Image 9 : Unknown author, The three muses, detail from a Pompeii fresco copy. 1st Century. National Archeological Museum, Naples.
Image 10 : Unknown author, Paradise now, sculpture from the Khajur�do Temple in India.

Video 1 : Isabelle Choinière, extract from a choreographic study inspired by the painting of The Three Graces, 2005.

Images 11 : 11-1 : Pablo Picasso, Suzanne et les vieillards. 24 aoùt 1955, huile sur toile.
11-2 : Pablo Picasso, La Maison Tellier, Filles entre elles, Degas sidéré.
9 avril 1971, copper etching.
11-3 : Pablo Picasso, Raphael et la Fornarina III : avec le pape en voyeur caché. August, 31 1968, copper etching.

Video 2 : Isabelle Choinière, extract from a choreographic study inspired by Picasso’s paintings, 2004.

Biographie

Isabelle Choinière : Chorégraphe, performeuse, analyste et conseillère artistique, elle explore les limites physiques et psychiques du corps naturel et synthétique par la voie d’une réflexion empruntant de l’art vivant et du texte critique. De formation classique, elle s’est initiée aux concepts de “nouvelle danse” avec Deborah Hay. Après des études collégiales en sciences, elle a obtenu, en 1989, son baccalauréat en chorégraphie de l’Université Concordia. C’est en poursuivant sa formation auprès d’artistes tels que Valerie Dean (fondations du mouvement de Bartenieff), Marie Chouinard, Lea Schaetzel, Natsu Nakajima (Japon) et Putu Lastini (Bali) qu’elle a intégré les différentes techniques gestuelles et vocales (méthode Roy Hart) qui contribuent à l’originalité de ses créations multidisciplinaires axées sur le questionnement du corps et la transgression des langages.

Par le croisement des disciplines et la remise en question des écritures qui leurs sont propres, sa démarche artistique favorise l’avènement de nouveaux langages; langages à la fois poétiques et sensuels. Sa démarche chorégraphique actuelle va puiser dans une multitude de sources gestuelles et intègre avec une réflexion sur le temps et l’espace d’où émerge une conception élargie du corps.

À la fois artiste et directrice générale de la compagnie qu’elle a fondé en 1994, elle a amené Le Corps Indice et ses premières créations, Communion et La démence des anges, à une belle visibilité internationale. Depuis les dernières années, Isabelle Choinière a présenté son travail dans plus de 11 pays : France, Danemark, Allemagne, Espagne, Brésil, Mexique et les États-Unis. Elle a également été invitée en tant que conférencière à de nombreux festivals internationaux de danse et d’art électronique. “http://www.corpsindice.com”: http://www.corpsindice.com

Event X, Friday October 6th
Conferences Volumes : space and sound

The topic of the panel, Volumes: Sound and Space, inspired me to explore the kinesthetic mode that I use to develop ideas into new work and how this frequently leads me to sound as a synthesizing element that fully engages people in experience.

With a process familiar to many contemporary artists, I am drawn to hybrid zones and trans-disciplinary approaches. One of the forms that I have been exploring over the past fifteen years is a modality that I define broadly as dynamic, socially engaged spaces for contemplation. They take varied forms as interactive installations, environments of experience, and responsive, sculpted contexts. These spaces are frequently ephemeral, inspired by natural phenomena, shaped with technology and activated by participation.

Generally they evolve through a process that is guided by what I can best describe as a kind of kinesthetic mirror. This mirroring synchs tacit knowledge and inner knowing with an externalized environment of experience that resonates with this kinesthetic sense when fully realized.

Leave-ings is a series of installations that I began during my residency at the MIT Media Lab. On windy, mid-winter days in Cambridge, I walked by oak trees with leaves that clung, relentlessly to the branches, ever present until they were seemingly pushed off their stems by the vigor of emerging spring green leaves. It was the rustling sound that captivated me, that brought these enduring leaves to my attention. They created an atmosphere, engulfing with their vibrations. Each time my path approached these oak trees I felt that their sound shifted my state of mind, in a transcendent, energizing way. When I recall that experience I can imagine the windborne rustling of the tree leaves as rattles that are atmospheric in scale.

I began playing with dried leaves, vibrating motors, sensors and microcontrollers and this evolved into a medium with sound and energy that I could tune. When my felt knowledge resonated with the soundings developed for Leave-ings, my kinesthetic mirror confirmed that this was now a match, ready as an environment or experience to be tuned by the people who would visit these ephemeral installations. I shaped the sound and space with suspended bamboo structures, each a carrier for lines of copper wire that held row upon row of these crispy, deep crimson leaves. Extended lengths of bamboo with whisker like sensors read shifts in light or pressure and signaled the vibrating motors to set the leaves in motion as people approached. The presence of a series of these leaf carriers invited meandering and choreographed movement through the space. After making a several variations of these installations, my fantasy is to make a dynamic ceiling – to frame the space overhead, completely with leaves. I imagine this as a room for dance for improvisational sound scapes, and a source of refreshment as the volumes of sound and space shift.

Currently I am working with bioluminescence. I am mesmerized by the glow of these aquatic algae. I find this living light electrifying and the fluid motion of the water that activates this light ceaselessly compelling. When I have encountered it on moonless nights at the ocean's edge, I have seen the incoming and receding waves glisten with luminescent seaweed imbued with light from the bioluminescent algae it harbors. Because each, single-cell, plankton is sensitive to the changes in pressure caused by even subtle movements of the water, I began to conceive of these bioluminescent plankton as an interactive, kinetic and fluid media.

Their glow is of often-called “living light”. This awareness of the emitted light as bio, as alive, is what I want to heighten. I am in process with this fluid media of bioluminescence, exploring gestures that express empathy and compassion. In my process, I refer to this growing gesture language to guide the development of a range of interactive, tangible interfaces that people sense, hold, gesture and move. Through their empathetic gestures, they move the water, which then activates and shapes the light, before coming full circle as the glowing light engages the people who are activating the waters.

As a current installation in process, Light Sensitive, will be an environment comprised of interactive vessels, fountains and pools of seawater inhabited by microscopic bioluminescent algae. It is envisioned as reconfigurable, ephemeral space for contemplation. The bioluminescent plankton have day and night cycles that can be tuned. Their night can coincide with our day, their daytime with our night. Like plants, they require sunlight to produce their own food. In the installation, the “sunlight” is provided by full spectrum lights timed for one half of the diurnal cycle. While prototyping some of these installation elements, people interacted with the water and light while spontaneously and very naturally sharing stories of their experiences with light phenomena. This temporary installation confirmed that this contemplative experience readily extends into the social realm.

This medium also focuses on vibration, vibration expressed as light. The vibration moves in the water rather than in the air and this movement causes the plankton to emit light. Underwater sound creates vibration as well. Perhaps musical patterns of vibration create light patterns? Along with the motivation of embodying empathy and compassion while activating the light, I have begun to think about music composed for the plankton, with their responses translated or displayed as light. Parameters for this composition involve identifying harmonious and constructive rather than destructive frequencies and circumscribing the compositional space in this way. Pauline Oliveros is intrigued by the idea of composing and playing for the plankton and we are in dialogue about this possibility. I imagine the sound in this underwater space being one that we can listen into with subtle hydrophones that enhance our sensory engagement with another species.

These fluid volumes of air and water are among the divergent spaces that I shape with interactive sound and whole body, whole person participation. I look forward to future sites, future media and explorations of new modalities for engaging people in these experiences.

Biography

Diane Willow is an artist and researcher who is drawn to hybrid zones and trans-disciplinary approaches. Currently a professor in the new media area of Time & Interactivity within the Department of Art at the University of Minnesota, her interests range from sound art and tangible media to interactive installation and responsive environments. Her explorations with sound have been focused on a modality broadly defined as dynamic, socially engaged spaces for contemplation. The interplay of nature, technology and community, the experience of multi-sensory engagement and her ongoing reflections on cultural dialogues embedded within interactive art have informed her work in varied contexts including her appointment as artist in residence at the MIT Media Lab.